выставка современное искусство
В Корпусе Бенуа Государственного Русского музея открылась выставка "Коллаж в России. ХХ век". Две анфилады огромных залов, около 400 произведений живописи, графики, скульптуры и прикладного искусства, увесистая книга, бойкая реклама, усиленный PR — все это должно убедить зрителя в том, что он причастен к событию неординарному. КИРА Ъ-ДОЛИНИНА проверила неординарность события и породившей его кураторской мысли на себе.
Я очень люблю Русский музей — там редко бывает скучно. Правда, все чаще там настолько нескучно, что приходят в голову странные, опасные мысли: а не блеф ли все то, что тебе показывают? Так бывает на знаменитых выставках-блокбастерах, на которых Русский музей ради красного словца готов переписать не только историю искусства, но и вообще все что угодно. Так одни и те же работы проходят порой по разряду то "романтизма в России", то "символизма". Так главенствующим во всем русском искусстве оказывается красный цвет, а самой важной темой портретного жанра — парный портрет. Конечно, всем понятно, что подобные темы и подобные выставки сделаны по принципу художественного преувеличения, но то, насколько серьезно это самое преувеличение воплощается в жизнь,— пугает. Пугает и новая выставка о коллаже.
Если бы в Русском музее работали обычные люди, то они сделали бы выставку об эволюции коллажа. Они рассказали бы красивую и стройную историю о том, как еще задолго до того, как в 1912 году Пабло Пикассо заменил раму плетеным кантом и наклеил на холст кусок клеенки, изображающий поверхность стула, чем породил коллаж, наш Михаил Врубель клеил и клеил всяческие бумажки на свои картины, чтобы добиться желанной объемности. Они рассказали бы, что первыми русскими коллажами принято считать панно Аристарха Лентулова "Москва" и "Василий Блаженный" (1913) с наклейками из бумаги и фольги, но уже вскоре, в 1915-м, "детское" наклеивание кусков бумаги на холст художники превзошли и в ход пошли "настоящие" предметы, которые нарушили плоскостность картины и вынесли ее в мир объемных вещей. Следующей остановкой стали бы контррельефы Владимира Татлина, где объем громоздился на объеме, "пластическая живопись" Любови Поповой и Софьи Дымшиц-Толстой, рельефы Ивана Клюна, коллажи-натюрморты Александра Родченко, коллажи на ткани ("тряпочные картины") и, наконец, фотомонтаж. Тут, скорее всего, они бы остановились — потому что с точки зрения техники коллаж заканчивается там, где произведение отходит от плоскостного начала, становится полностью объемным — переходит в разряд "объектов".
Но дело в том, что в Русском музее работают люди с идеями. Рассказав все, что я только что перечислила и создав тем самым "классический" раздел своей выставки, они не смогли остановиться. Далее коллажем оказалось все, что не чистая живопись и не чистая графика. Объекты, инсталляции, компьютерная фотография, лайт-боксы и даже чистейшей воды скульптура одним желанием кураторов выставки превратились в нечто "коллажирующее". Почему? Да потому, что "коллажное мышление, спровоцированное ритмами мегаполисов ХХ века, наиболее адекватно соответствует 'разорванному' сознанию современного человека".
Я точно знаю, что "коллаж" в изобразительном искусстве — это техника. Плюс-минус, даже большой плюс-минус, но у нее есть совершенно определенные границы и законы, по которым эти границы определяются. Эти законы совершенно не мешают сочинять предысторию и эволюцию коллажа так, как хочется авторам подобных сочинений. Более того, легко можно согласиться, что значительная часть практик современного искусства вышла из коллажа, освободившего запертый прежде плоскостью холста объем. Все это действительно принадлежит к числу проблем, которыми занимается история искусства. А вот "коллажное мышление" и "разорванное сознание" — извините, но из другой оперы. В общем, хотели рассказать о коллаже, а рассказали о том, что в Русском музее очень много вещей и надо же их когда-то показывать, придумав любой повод. Вот, например, "коллаж".