В Москве начинается шестая биеннале современного искусства. Корреспондент "Власти" Валентин Дьяконов выбрал выставки из ее программы, которые не стоит пропускать.
Фото: Anish Kapoor, 2015/Еврейский музей и Центр толерантности
Фото: Michal Rovner/Pace Gallery/Мультимедиа Арт Музей
Фото: Питер Беллами/The Easton Foundation/РАО, Москва/ЦСИ "Гараж" / Питер Беллами/The Easton Foundation/РАО, Москва/ЦСИ
Фото: Максимилиан Гойтер/The Easton Foundation/РАО, Москва/ЦСИ "Гараж" / Максимилиан Гойтер/The Easton Foundation/РАО, Москва/ЦСИ
"Луиз Буржуа. Структуры бытия: клетки"
Название выставки без преувеличения великой франко-американской художницы кажется наивным. Такими фразами обычно описывают свое творчество кустарные изобретатели всяческих "-измов", опоздавшие родиться лет эдак на сто. В случае Луиз Буржуа, однако, патетика вполне оправданна. "Я занимаюсь болью как темой,— говорила она.— Хочу придать форму разочарованию и страданию".
В серии инсталляций "Клетки", начатой в конце 1980-х годов, Буржуа, по ее словам, исследовала разные типы боли, от физической до интеллектуальной. И дело не в том, что страдания для современного искусства — любимая тема. Художница в своих работах продолжила старинную традицию христианства, которое устами наиболее радикальных теологов объявляло материю сотканной из печали, страхов и сомнений. Самые страшные "Клетки" напомнят разом и клаустрофобию Изенгеймского алтаря Маттиаса Грюнвальда, и ловушки психопата из бесконечного фильма ужасов "Пила". Но сквозь пугающее нагромождение фантазий не просвечивает ни откровенная дидактика, ни плоская мораль. Зато видна отчаянная надежда на то, что, если удастся привести фантазмы в порядок и разложить их по полочкам, станет легче. О чем напоминает и самый известный афоризм Буржуа: "Искусство — гарантия душевного здоровья".
Музей современного искусства "Гараж"
25 сентября — 7 февраля
"Аниш Капур. Моя алая родина"
Живой классик британской скульптуры прославился на весь мир башней ArcelorMittal в Лондоне, возведенной на деньги стального магната Лакшми Миттала к летней Олимпиаде 2012 года. Башню, конечно, в Еврейский музей не привезут, зато будут фирменные скульптуры Капура с зеркальными поверхностями, что-то вроде комнаты смеха для высоколобых посетителей вернисажа. Капур, по моему мнению, художник переоцененный, что с британцами случается сплошь и рядом: изобретатели таблоидов знают толк в раскрутке. Вспомнить того же Дэмиена Херста — автор безусловно хороший, но непропорционально известный. Главная проблема Капура — в обтекаемости, буквальной и метафорической, его работ: в них можно обнаружить себя, застывшую каплю смолы гигантской сосны, философию дзен, рукотворную имитацию чудес природы и так далее и тому подобное. Капур открыт всем трактовкам сразу, и это превращает его работы в дорогие офисные игрушки, без особого смысла и цели. Впрочем, с нынешним курсом евро открытие его выставки — настоящий подвиг со стороны Еврейского музея: понять Капура легко, а вот перевозить многотонные артефакты накладно.
Еврейский музей и центр толерантности
22 сентября — 17 января
"Михаль Ровнер. Смещения"
Художница Михаль Ровнер представляла Израиль на 50-й Венецианской биеннале, совместно с композитором Филипом Глассом сняла короткометражку "Заметки" и даже выставлялась в Лувре — правда, в рамках летней программы за стенами музея.
"Время для меня материал",— объясняла Ровнер в интервью журналу Art in America. "В моих работах время не линейное: прошлое, настоящее и воображаемое будущее совмещены". В это нетрудно поверить: видео Ровнер на первый взгляд просты, но в них чувствуется личное открытие художника, впервые научившегося показывать простыми значками всю панораму человеческого общежития. По субъективному ощущению это сравнимо с самим моментом изобретения искусства художниками палеолита.
Как и многие художники в Израиле, Ровнер придерживается пацифистских взглядов и старается равно взаимодействовать и с евреями, и с палестинцами. И тем и другим она пытается напомнить про хрупкость человеческого состояния. Оттого многочисленные человечки в ее видео то появляются, то исчезают, как следы на пляже.
Мультимедиа Арт Музей
18 сентября — 29 ноября
"Дмитрий Гутов: Рембрандт. Другой ракурс"
Московский художник Дмитрий Гутов давно работает с двумя материалами: металлом и марксизмом. Надо признать, что в металле он добился большей известности, чем в марксизме. Трехмерные скульптуры, повторяющие рисунки старых мастеров Европы и Востока, складываются в точные копии, но только с одного-единственного ракурса. Вещи Гутова — и произведения сами по себе, и образовательная программа, рассказывающая о том, как вообще устроены восприятие и художественный образ. Кажется, будто так все в голове и работает: из хаоса кривых ржавых железок, чуть повернешься, возникнет разумный, осмысленный космос рембрандтовского рисунка. Сам Гутов, даром что известный мастер, к современному искусству относится скептически и любит говорить о том, что ничего нового под луной не бывает. Зато Пушкинский музей, уже давно взявший курс на сближение с современным искусством, получает идеального художника для экспозиции.
ГМИИ имени Пушкина
8 сентября — 11 октября
"Галерея "Пальто". Юбилейная выставка"
Одна из старейших московских галерей располагается не где-нибудь по адресу, а на подкладке пальто художника и дилера Александра Петрелли, давнего персонажа сначала одесской, а потом московской арт-сцены. Искусство обычно делается специально для выставок, ибо не может быть слишком тяжелым, а то порвется подкладка. За двадцать лет ношения галерея показала больше сотни художников разных поколений и карьеры, от ныне признанных музейных авторов Игоря Макаревича и Елены Елагиной до молодых призеров премии Кандинского. В "Пальто" соединились и позднесоветские аллюзии к товарному дефициту, и остроумные намеки на то, что художник — это, в сущности, эксгибиционист. Копаться в истории "Пальто" будет интересно — она почти совпадает с жизненным путем современного искусства в целом. Ну а тот факт, что "Пальто" еще действует, означает, что художникам и галереям еще рано выходить из полуподпольной шинели.
Музей Москвы
20 сентября — 12 октября